Первый раз такое определение слышу!
Мне некоторые песенки тоже нравятся.
Мадонну, на сколько знаю, тоже относят к поп-музыке. Но мне нравится ее творчество.
А вот что-то типа "Руки Вверх" я просто не перевариваю!
Ну не могу я понять, как такие мужики могут петь ТАКОЕ!

Мю́зикл

(иногда называется музыкальной комедией) — музыкально-сценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, музыка, танцы, при этом сюжет, как правило, незамысловат. Большое влияние на мюзикл оказали многие жанры: оперетта, комическая опера, водевиль, бурлеск. Как отдельный жанр театрального искусства долгое время не признавался и до сих пор признается не всеми.

Мюзикл — постановочный жанр, работа над каждым проектом начинается с написания пьесы. Постановка пьесы осуществляется режиссером-постановщиком. В постановке также могут участвовать балетмейстеры, специалисты по пению.

Мюзикл — один их наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием тем для постановки, неограниченностью в выборе средств выражения для актеров.

При постановке мюзиклов часто используются массовые сцены с пением и танцами, нередко применяются различные спец. эффекты.

По форме мюзикл чаще всего представляет собой двухактовый спектакль.

Зарождение мюзикла

Предшественниками мюзикла были множество легких жанров, где смешались шоу варьете, французский балет и драматические интерлюдии. В сентябре 1866 года на сцене Нью-Йорка прошла постановка Black Crook, где сплетались романтический баллет, мелодрама и другие жанры. Именно она считается исходной точкой нового жанра. Музыкальной комедией охарактеризовал один из своих хитов «Хористка» английский продюсер Джордж Эдвардс. Музыкальная комедия подразумевала легкое развлекательное представление, где важным был не сюжет, а скорее популярные вокальные номера в исполнении кумиров публики. Постановки Эдвардса снискали ошеломительный успех в Нью-Йорке, и до начала XX века моду в новом жанре диктовали английские представления.

Развитие в Америке

В годы, предшествующие Первой мировой войне, талантливые эмигранты Херберт, Фримл, Ромберг и другие дали импульс активному развитию мюзикла в Америке. В период 20-х и 30-х годов, с приходом новых американских композиторов Джерома Керна, Джорджа Гершвина, Кола Портера и других, мюзикл приобретает истинную американскую окраску. Усложнилось либретто, в ритмах стало заметно влияние джаза, рэгтайма, в песнях появились типичные американские обороты. Многие песни из мюзиклов стали музыкальной классикой. Значительно возросло актёрское мастерство певцов. В 1932 году композитор Гершвин впервые награждён Пулицеровской премией за работу над мюзиклом Of Thee I Sing («Пою о тебе», 1931). При совместной работе Роджерса и Хаммерстайна II появились такие постановки, как «Оклахома!» (1943), «Карусель» (1945), «Саут-Пасифик» (1949), отличавшиеся высоким уровнем драматургии. Они имели ошеломительный успех у публики.

После Второй мировой войны фабула мюзиклов стала более серьёзной, появилась «Вестсайдская история» (1957) Леонарда Бернстайна. За основу постановки взята шекспировская трагедия «Ромео и Джульетта», при этом действие происходит в современном Нью-Йорке. Экспрессивность танцев обозначило растущее значение хореографии.

Дальнейшее развитие

В конце 60-х годов XX века под влиянием новых музыкальных стилей приходит новое понимание мюзикла как жанра. В спектакле «Волосы» (1967) нашли отражение модные тогда идеи хиппи, тем самым постановка получила название «мюзикла первобытного американского лирического рока». С 70-х годов количество спектаклей сокращается, однако декорации и костюмы новых мюзиклов становятся более роскошными. Кардинальные изменения в понятие мюзикла преподнесла постановка «Иисус Христос суперзвезда» (1971) композитора Эндрю Ллойда Уэббера и либреттиста Тима Райса. Серьёзная тема мюзикла «Эвита» (1978) доказала большой путь, который прошёл жанр за своё развитие. Творение Уэббера «Кошки» (1981) по мотивам произведения Т. С. Эллиота «Наука о котах», представляет яркие запоминающиеся образы, в музыке узнаются кошачие интонации, танцы гибки и пластичны. Другим популярным произведением Уэббера стал «Призрак оперы», сочетающее в себе элементы детектива и триллера.

Англо-американская монополия мюзиклов прекратилась в 1985 году, когда на лондонской сцене состоялась премьера французской постановки «Отверженные» по мотивам одноимённого романа Гюго. Авторами являются композитор Мишель Шонберг и либреттист Ален Бублиль. Высокий уровень мюзикла как жанра доказывает «Мадам Баттерфляй», осовремененная опера Пучини.
Источник: Wikipedia

Психоделический рок

(англ. Psychedelic rock) — музыкальный жанр, возникший в середине 60-х годов в Западной Европе и в Калифорнии (Сан-Франциско и Лос-Анджелес). Психоделический рок связан с понятиями «психоделия» и «психоделики» (галлюциногены).

Психоделический рок — сложная, экспрессивная музыка, сильно воздействующая на слушателя. Изначально связанный непосредственно с употреблением психоделиков как слушателями, так и музыкантами, психоделический рок, со временем, стал имитировать действие галлюциногенов. Для этого используется широкий арсенал средств музыкальной выразительности и специальные эффекты при исполнении музыки.

В статье «Психоделия: новое модное словечко и что оно означает», появившейся в октябре 1966 в газете Melody Maker, гитарист группы Hollies Грэм Нэш, посещавший ранее психоделические сессии в США, писал: «Они стараются воссоздать ЛСД-сессию без использования наркотиков… это попытка раскрыть сознание до предела. В теории, мы задействуем только 20 процентов мозга, но при приеме ЛСД — целых восемьдесят. Они пытаются добиться того же самого, но посредством сочетания музыки и световых эффектов».

Характерной чертой психоделического рока стали продолжительные сольные партии ведущих инструментов. Живые выступления групп в этом жанре обычно сопровождаются ярким визуальным шоу с использованием света, дыма, видео-инсталляций и других эффектов.

Хард-рок

(англ. hard rock, дословно тяжелый рок или жёсткий рок) — жанр рок-музыки. Это понятие очень всеобъемлющее, и практически невозможно провести однозначную границу хард-рока c рок-музыкой в целом или с её отдельными направлениями (хэви метал, гранж, панк-рок). То, что может восприниматься слушателем как «тяжесть» в хард-роке, достигается, в частности, за счет специфического звучания электогитары (с такими эффектами, как например, дисторшн и овердрайв) и работы ритм-секции. «Классический» хард-рок обрёл формы в конце 1960-х — начале 1970-х годов в Великобритании.

Истоки
Led Zeppelin, одна из групп-основоположников хард-рока

В музыкальном отношении, «утяжеление» рок-музыки началось ещё в середине 1960-х годов британскими и американскими группами, в числе которых The Beatles, The Rolling Stones, The Yardbirds (музыканты которого позже вошли в состав Led Zeppelin), The Who, The Kinks, и виртуозным рок-гитаристом Джими Хендриксом. Элементы хард-рока присутсвуют в таких их композициях, как «Helter Skelter» (The Beatles), «I Can See for Miles» (The Who), и «You Really Got Me» (The Kinks). Песня «You Really Got Me» считается первой [Источник?], в которой используется техника риффов, что является характерной чертой хард-рокового звучания. В практически сформированном виде хард-рок можно услышать в творчестве групп Iron Butterfly, Blue Cheer и Cream — последнюю часто называют самой первой группой хард-рока.

Прогрессивный рок

(англ. Progressive rock) — амбициозный, эклектический и часто величественный стиль рок-музыки, возникший в конце 60-х, достигший пика популярности в начале 70-х годов XX века, и с тех пор продолжающий существование как музыкальная форма. Прогрессивный рок начал своё распространение в Англии и оставался в основном европейским движением, хотя существует и ряд значимых групп из США, Канады и других стран. Это музыкальное направление берёт многое из классической музыки и джаз-фьюжна, в отличие от американского рока, больше вобравшего от ритм-энд-блюза и кантри. За годы появилось множество поджанров прогрессивного рока, такие как симфо-рок, арт-рок, мат-рок и прогрессив-метал.

Пионеры прогрессивного рока стремились отойти от ограничений популярного рока и поп-музыки, и «продвинуть» рок до новых форм, часто, но не всегда обращаясь к джазу, академической или народной музыке, авангарду. В этом, также как и в виртуозности музыкантов, и заключается основное отличие прогрессивного рока: в обычном роке тоже есть очень талантливые инструменталисты, которые работают исключительно в простых метрах и гармониях.

Прогрессивный рок трудно чётко и ясно определить. Больше всего повлиявшие на жанр в 70-х годах (Emerson, Lake and Palmer, Genesis, Jethro Tull, King Crimson, Pink Floyd, Rush и Yes) звучали не особенно похоже — хотя многие (включая и некоторых членов этих коллективов) считают, что они играли прогрессивный рок. Принадлежность нескольких других групп и музыкантов (таких как Deep Purple, Phish, Radiohead, Tool и Фрэнк Заппа) к этому жанру менее очевидна.

Краут-рок — направление экспериментальной и психоделической рок-музыки, возникшее в конце 1960-х — начале 1970-х годов в Германии.

Глэм-рок

(англ. Glam Rock, от glamorous — «эффектный») — жанр рок-музыки, возникший в Великобритании в самом начале 1970-х гг. и ставший одним из доминирующих жанров первой половины того десятилетия. Для исполнителей глэм-рока были характерны яркий образ, выраженный через театральную эффектность экзотических костюмов, обильное использование макияжа, андрогинный облик. В музыкальном отношении глэм-рок был неоднороден, совмещая рок-н-ролл, хард-рок, арт-рок и эстраду. Элементы стиля глэм-рока оказали значительное влияние на диско, панк и новую волну, на такие группы как Queen, Kiss и Marilyn Manson. Глэм-рок также известен под термином глиттер-рок.

Панк-ро́к

(англ. Punk rock) — жанр рок-музыки, возникший в середине 1970-х гг. в США и Великобритании, в котором сочетались социальный протест и музыкальное неприятие тогдашних форм рока: культивировались нарочито примитивная игра и задорность раннего рок-н-ролла. К 1977 году панк-рок — благодаря своей скандальности — был одним из самых заметных явлений в рок-музыке Великобритании. Со временем жанр породил множество разновидностей и до сих пор продолжает притягивать множество молодых исполнителей.

Характеристика
Для композиций панк-рока в целом свойственны быстрый темп, небольшая продолжительность по времени, простой аккомпанемент, развязная и зачастую агрессивная манера пения. Тексты проникнуты нигилизмом и социально-политической тематикой. В каждой разновидности панк-рока имеются свои индивидуальные уклоны. Панк-рок неразрывно связан с субкультурой панка, для которой характерна этика «всё-сам!!!», эпатаж, хулиганство и общий нонконформизм.

История
Панк-рок как и субкультура панка сформировались почти одновременно в середине 1970-х гг. в США и Великобритании. В стилистическом плане к тому времени уже были записи, которые вполне можно отнести к панк-року, несмотря на то, что они были сделаны в иной музыкальной манере. В настоящее время эти записи принято условно называть прото-панком: к ним относятся первые альбомы Velvet Underground (из неё вышел Лу Рид) и Stooges, руководимые Игги Попом. С точки зрения чисто музыкального формата звучание панк-рока некоторыми специалистами отслеживается вплоть до песни Kinks «You Really Got Me» 1964 года.
Джонни Роттен, лидер Sex Pistols (1976)

Панк выделяется в отдельное направление в середине 1970-х. Первой заметной американской панк-группой были нью-йоркские Ramones, New York Dolls, в Великобритании — Sex Pistols. Примеру этих групп последовало большое количество молодых коллективов. В то время как в США панк был сенсацией андеграунда, полномасштабным общественным феноменом панк стал в Великобритании, где он расценивался как реальная угроза благополучию истеблишмента. Некоторые молодые группы весьма близко копировали Sex Pistols, однако многие нашли своё, оригинальное звучание (Buzzcocks, Clash, художественные эксперименты групп Wire и Joy Division).

С течением времени в панк-роке выделились самостоятельные направления. Это в первую очередь панк 77 или ранний панк (77 punk), анархо-панк (anarcho-punk), арт-панк (art-punk), гранж (grunge), краст-панк (crust-punk), мелодичный панк (melodic punk), ой-панк/уличный панк (oi-punk/street-punk)(например Discipline и другое, панк-н-ролл (punk'n'roll), поп-панк (pop-punk)(Sum-41, Blink 182 и другие), пост-панк (post-punk), ска-панк (ska-punk)(Less Than Jake, Ska-P, Kemuri и другие), скейт-панк (skate-punk)(Millencolin и другие), фолк-панк (folk-punk), xардкор (hardcore)(Hatebreed, Sick Of It All и множество других), хоррор-панк (horror-punk)(Самый известный пример - Misfits), хэйт-кор (hate-core) и эмо (emo)(My Chemical Romance, From Autumn to Ashes, The Used, Finch, Jimmy Eat World и другие).

С начала 90-х годов популярность панк-рока растет благодаря творчеству таких коллективов, как Green Day, Offspring, Pennywise и Rancid, сперва в США, а затем и в Европе. Отношение к этим коммерчески весьма успешным группам в среде панк-рокеров неоднозначное. С одной стороны есть мнения, что эти коллективы в первую очередь заинтересованы в коммерческом успехе своей музыки. Согласно этой позиции такие группы в погоне за прибылью «распродают» панк и его идеалы. С другой стороны есть мнения, что творчество этих групп способствует популяризации идей панк-рока, которая положительно влияет на преобразование общества.
Источник: http://ru.wikipedia.org

[реклама вместо картинки]
Кантри
(англ. Country, второе название — кантри энд вестерн англ. country and western) — наиболее распространённая разновидность американской фолк-музыки белых жителей («ковбоев») Юга и Юго-Запада США. Поскольку в кантри-песнях поётся об одиночестве, любви, чувствах, повседневной жизни людей, популярность стиля давно вышла за пределы США. Кантри у многих ассоциируется с образом крепких мужчин и ковбоев Дикого Запада, живущих в деревянных фургонах и разгуливавших на лошадях в шляпах и сапогах с острыми носами и шляпами с высокими полями.

Истоки кантри-музыки

Кантри («кантри энд вестерн») объединяет две разновидности американского фольклора — это музыка белых поселенцев, обосновавшихся в Новом Свете в XVII—XVIII вв. (собственно country) и ковбойские баллады Дикого Запада (western). В этой музыке сильно наследие елизаветинских мадригалов, ирландской и шотландской народной музыки. Основные музыкальные инструменты этого стиля — гитара и банджо, реже скрипка.

Автор первой «документально зафиксированной» песни в стиле кантри («The little old log cabin in the lane», 1871) Уилл Хэйсс — родом из Кентукки. Спустя 53 года Фиддин Джон Карсон записывает эту композицию на пластинку. Отцом современной музыки кантри считается Хэнк Уильямс (1923-53), грубовато-скрежещущий вокал которого служил удачным сопровождением для таких его излюбленных тем, как трагическая любовь и тяготы рабочей жизни («Lovesick Blues», «Your Cheatin' Heart»). Под его влиянием в 1950-е гг. начинают свой творческий путь Джонни Кэш и Роджер Миллер, в музыке которых значительное место занимают жанры тюремной и дорожной песни. Гибрид музыки кантри и рок-н-ролла известен под названием рокабилли; его наиболее яркий представитель — Элвис Пресли.
Вилли Нельсон — один из столпов музыки кантри.

Современное кантри

C лёгкой руки влиятельного Чата Эткинса архаическая манера Уильямса (так называемый honky tonk) уступила в 1960-е гг. дорогу глянцевитому «Нашвиллскому звучанию» (Nashville sound), основные представители которого — Пэтси Клайн, Джордж Джонс, Тэмми Винет — мало чем отличались от эстрадных исполнителей поп-музыки. Для кантри всегда было свойственно уважение к традиции, поэтому основными инструментами и в этот период оставались гитара и скрипка. Ряд музыкантов конца 1960-х — Крис Кристоферсон, Нил Янг (Buffalo Springfield), Линда Ронстадт — избрали ещё более эклектический подход: они успешно сочетали кантри с классическим роком, дав начало такому направлению, как кантри-рок.

В 1970-е гг. «бородатые бунтари» Вилли Нельсон и Вэйлон Дженнингс выступили за возвращение кантри-музыки к своим ковбойским, деревенским истокам («outlaw country»). Напротив, молодое поколение исполнителей во главе с Долли Партон и Кенни Роджерсом открывают новый этап в истории кантри, привнеся в этот жанр более глубокое лирическое содержание, которое сделало его приемлемым для широкой аудитории городских жителей. В некоторых работах этих исполнителей границы между кантри и поп-музыкой стираются до такой степени, что между кантри-радиостанциями возникают ожесточённые споры о том, насколько вписывается та или иная песня в их формат.

Тенденция к насыщению кантри элементами популярной музыки, джаза и фолк-музыки ещё более очевидна в творчестве современных исполнителей, таких как Гарт Брукс, Тим Макгро, Шанайя Твейн, Лиэнн Раймс, Кэрри Андервуд. Скажем, самый успешный сингл Макгро был записан в дуэте с рэпером Нелли, а ветеран Вилли Нельсон недавно выпустил альбом с ярко выраженными элементами стиля рэгги.
Источник: Wikipedia

Фьюжн

Начавшись не только от слияния джаза с поп-музыкой и роком 1960-ых, но и с музыкой, проистекавшей из таких областей, как соул, фанк и ритм энд блюз, фьюжн (или дословно-сплав), как музыкальный жанр, появился в конце 1960-ых, вначале под названием джаз-рок. Отдельные музыканты и группы, типа «Eleventh House» гитариста Ларри Кориэлла, «Lifetime» барабанщика Тони Уильямса, а так же Майлз Дэвис следовали во главе этого течения, введя в обиход такие элементы, как электроника, рок-ритмы и расширенные треки, аннулируя большую часть того, на чём "стоял" джаз, начиная с его начала, а именно, свинговый бит, и основываясь прежде всего на блюзовой музыке, репертуар которой включал, как блюзовый материал, так и популярные стандарты. Термин фьюжн вошёл в обиход вскоре после того, как возникли разнообразные оркестры, типа «Оркестра Джона Маклоглина Махавишну» (Mahavishnu Orchestra), «Прогноз погоды» (Weather Report) и ансабль Чика Кориа «Возвращение В Навсегда» (Return To Forever). Повсюду в музыке этих ансамблей оставался постоянным акцент на импровизацию и мелодичность, что прочно связывало их практику с историей джаза, несмотря на хулителей, которые утверждали, что они "продались" коммерсантам от музыки. Фактически, когда слушаешь сегодня эти ранние эксперименты, они едва ли покажутся коммерческими, предлагая слушателю участвовать в том, что являлось музыкой с очень развитой диалоговой природой. В течение середины 1970-ых, фьюжн, преобразовался в вариант музыки для легкого прослушивания и/или ритм энд блюзовой музыки. Композиционно или с точки зрения перформанса он значительную долю своей остроты растерял, а то и вовсе утратил. В 1980-ые, исполнявшие джаз музыканты превратили музыкальную форму фьюжн в подлинно выразительное средство. Такие художники как барабанщик Рональд Шаннон Джэксон (Ronald Shannon Jackson), гитаристы Пат Метэни (Pat Metheny), Джон Скофилд (John Scofield), Джон Аберкромби (John Abercrombie) и Джеймс "Блад" Элмер (James "Blood" Ulmer), так же как и старый саксофонист/трубач Орнетт Коулмен (Ornette Coleman) творчески овладели этой музыкой в различных измерениях.

Распространение джаза.
В джазe всегда существовал огромный интерес в мире вне зависимости от государственных границ. Достаточно проследить ранние работы трубача Диззи Гиллеспи и его синтез джазовых традиций с музыкой темнокожих кубинцев в 1940-ые или более позднее соединение джаза с японской, евроазиатской и ближневосточной музыкой, известные в творчестве пианиста Дейва Брубека, так же как и у блестящего композитора и лидера джаз-оркестра Дюка Эллингтона, комбинировавшего музыкальное наследие Африки, Латинская Америка|Латинской Америки и Дальнего Востока. Джаз постоянно впитывал и не только западные музыкальные традиции. Например, когда разные художники стали пробовать работу с музыкальными элементами Индии. Пример этих усилий можно услышать в записях флейтиста Пола Хорна во дворце Тадж Махал(Taj Mahal), или в потоке "всемировой музыки", представленной например в творчестве группы Орегон или ансамбля Джона Маклоглина Шакти. В музыке Маклоглина, раньше в основном базировавшейся на джазе, в период работы с Шакти стали применяться новые инструменты индийского происхождения, вроде гатама или tablas, зазвучали запутанные ритмы и широко использовалась форма индийской раги. Художественный Ансамбль Чикаго (The Art Ensemble of Chicago) был ранним пионером в слиянии африканских и джазовых форм. Позднее мир узнал саксофониста/композитора Джона Зорна и его исследования еврейской музыкальной культуры, как в рамках оркестра Masada, так и вне его. Эти работы вдохновили целые группы других джазовых музыкантов, таких, как клавишник Джон Медески, сделавшего записи с африканским музыкантом Салифом Кеита, гитарист Марк Рибот и басист Энтони Коулмен. Трубач Дейв Дуглас с вдохновением внедряет в свою музыку балканские мотивы, в то время как Азиатско-Американский Джазовый Оркестр (Asian-American Jazz Orchestra) появился в качестве ведущего сторонника конвергенции джазовых и азиатских музыкальных форм. Поскольку глобализация мира продолжается, в джазе постоянно ощущается воздействие других музыкальных традиций, обеспечивающих зрелую пищу для будущих исследований и доказывающих, что джаз-это действительно мировая музыка.

Латиноамериканский джаз.
Соединение латинских ритмических элементов присутствовало в джазе почти с самого начала смешения культур, зародившегося в Новом Орлеане. Джелли Ролл Мортон говорил про "испанские оттенки" в своих записях середины и конца 1920-ых. Дюк Эллингтон и другие руководители джазовых оркестров так же использовали латинские формы. Главный (хотя не широко признанный) родоначальник латинского джаза, трубач/аранжировщик Марио Боза принес кубинскую ориентацию из своей родной Гаваны в оркестр Чика Уэбба в 1930-ых, десятилетием позднее он внёс это направление в звучание оркестров Дона Редмана , Флетчера Хендерсона и Кэба Келлоуэя . Работая с трубачом Диззи Гиллеспи в оркестре Келлоуэя с конца 1930-ых, Боза ввёл направление, от которого уже прослеживалась прямая связь с биг-бендами Гиллеспи середины 1940-ых. Эта «любовная интрига» Гиллеспи с латинскими музыкальными формами продолжалась до конца его продолжительной карьеры. В 1940-ые Боза продолжил карьеру, став музыкальным руководителем Афро кубинского оркестра Мачито, фронтменом которого был его шурин, певец Франк Грилло по прозвищу Мачито. 1950-1960-ые годы прошли под знаком продолжительного флирта джаза с латинскими ритмами, преимущественно в направление боссановы, обогатив этот синтез бразильские элементами самбы . Соединив стиль кул-джаза, развитый музыкантами Западного Побережья, европейскую классическую соразмерность и соблазнительные бразильские ритмы , боссанова или как более правильно "бразильский джаз", получила широкую известность в США приблизительно в 1962. Тонкие, но гипнотические ритмы акустической гитары акцентировали внимание на простых мелодиях, поющихся как на португальском, так и английском языке. Открытый бразильцами Джоао Гильберто и Антонио Карлосом Джобимом, этот стиль в 1960-ые годы стал танцевальной альтернативой хардбопу и свободному джазу, значительно расширив свою популярность благодаря записям и выступлениям музыкантов с западного побережья, в частности гитариста Чарли Берда и саксофониста Стэна Гетца. Музыкальное смешение латинского влияния распространилось в джазе и в последующем, в 1980-ых и 1990-ых, включая не только оркестры и группы с первоклассными импровизаторами латиноамериканского происхождения, но также и комбинирующих местных и латинских исполнителей, создавая образцы наиболее захватывающей сценической музыки. Этот новый латинский джазовый Ренессанс подпитывался постоянным притоком иностранных исполнителей из числа кубинских невозвращенцев, бежавших от режима Фиделя Кастро в поисках более широких возможностей, которые они рассчитывали обрести в Нью-Йорке и Флориде. Существует так же мнение, что более интенсивные, более приемлемые для танца качества полиритмичной музыки латинского джаза значительно расширили джазовую аудиторию. Правда сохранив при этом только минимум интуитивности, для интелектуального восприятия.
Википедия